MUSICA PARA SORDOS

BURIAL. Untrue. Grabado supuestamente en 2007

2010-06-30T17:03:00.000-07:00

Resulta realmente difícil hacer una reseña acerca de un disco tan profunda y dolorosamente misterioso como es este Untrue de el no menos misterioso Burial, nombre tras el cual se esconde una especie de geniecillo de las mezclas llamado William Bevan.
En términos generales estamos ante un disco de algo muy similar al trance pero enmarcado de una forma tan extraña que se aleja de cualquier catalogación posible.
En ocasiones las voces que aparecen parecen psicofonías extraídas de cualquiera de esos programas de misterio que están tan de moda, dándole al conjunto total un aura ciertamente inquietante que acaba muriendo en la sosegada calma que produce su escucha. Porque, aunque se trata de un disco complejísimo y difícil, la sencillez parece que está siempre presente aunque esté ausente.Y no es una forma economica de reducir la complejidad malsana que aguarda bajo el umbral de la portada. Simplemente estamos ante la posibilidad de una música sencilla y necesariamente trascendente. Una isla aguardando en mitad del mar de las dudas, un descuido del Dios encargado de la desfachatez. Es díficil mostrar en negro sobre blanco lo que en particular resulta solo audible, solo sensorial.
Los conceptos de lo que debería ser un disco se quedan cortos para el bizarro e inquietante viaje que aguarda al oyente de UNTRUE, entre otras cosas, porque lo que pertenece al infinito solo puede ser entendido bajo el aura de la eternidad. Los parámetros no son exactos y estamos en un mundo construido con las matemáticas...
Cualquier cosa que diga de ahora en adelante puede ser interpretado como pura propaganda, los fantasmas me han vencido, la verdad sobre el otro mundo se asoma... y se oculta.

PRODIGY. The Fat Of The Land (Grabado entre 1996 Y 1997)

2010-04-21T15:08:00.000-07:00

Librarse del espantajo del prejuicio resulta complicado cuando se trata de la música electrónica o de baile. Casi siempre este estilo se ha asociado al chumba-chumba más primario, a ese escenario de cubateo y caspa donde las pringosas pistas de baile se llenan de espíritus alterados artificialmente. La mayoría de las veces la asociación es acertada. Sin embargo, como si unos valerosos galos rodeados de romanos se tratara, en las entrañas de Londres un pequeño grupo de irreductibles neo punks dieron con una fórmula irresistible que cambió el panorama de los clubs nocturnos para siempre. The Prodigy consiguió con The Fat Of The Land encontrar un sonido que era sencillamente el apropiado para su época. A un suspiro del nuevo milenio estos ingleses añadieron un punto de agresividad y actitud contestaria que no tenía precedentes en lo que se suponía un estilo en el primaban lo sencillo y lo vacuo. El fuego se extendió y poco a poco todas y cada una de las pistas del mundo en las que sonaba música electrónica abrazaron al pirómano. El resto como suele decirse es historia. Resulta misterioso y a la vez fascinante comprobar cómo en discos anteriores la fórmula había sido risoria y en los posteriores inexacta. Este que nos ocupa está en su punto justo de maduración, contiene los hits necesarios y la urgencia que solo podía ser entendida en su época. A la esencia misma del nightclubbing le salió un hijo tan rebelde y tan aseado, que hoy día puede seguir pidiendo cubatas en cualquier tugurio con dj residente y seguir pareciendo un chaval de veinte años con un montón de cerillas en los bolsillos.

ALI FARKA TOURÉ Y RY COODER. Talking Timbuktu. (Grabado en 1993)

2010-04-14T15:34:00.000-07:00

Resulta algo realmente extraño estar escuchando un disco del que no puedes sacar ni una palabra, ni un solo siginicado traducible a tu propio idioma y, sin embargo, saber perfectamente por donde van los tiros.
Lo recomendable en cualquier caso es disponer de toda la información para poder juzgar, pero en algunas ocasiones la piel de gallina es la muestra evidente de que las traducciones sobran. El punto de partida para que esto ocurra es la humildad desarmante. Ry Cooder, un as de la guitarra como quedan pocos, destapa las esencias y rasguea su guitarra con pinceladas que adornan y completan. Touré hace lo que sabe y desde donde sabe. Como base la coherencia, la honestidad y la simpleza de sus dedos campesinos que rasgan esos extraños instrumentos de cuerda que parecen guitarras y quizá lo sean. Se experimenta, se comparte, se prueba y después se descarta. Y cuando nos queramos dar cuenta estaremos escuchando a un genio del blues afincado en el Delta del Mississippi acompañado de su banda ¿Será verdad entonces la leyenda? ¿Todo proviene de Africa? Es posible. Pero por el camino se han perdido esencias, se han prostituido razones y se han olvidado actitudes. La música que hicieron estos dos hombres en este disco es una muestra de que la verdad universal existe.En un viaje casi sideral, se nos aparecen las calles de la patria chica de Touré, el verdadero corazón latente de unas gentes que despliegan felicidad cuando hay hambre y que son capaces de dar sin tener. Los lenguajes se reducen a cenizas y a uno se le pasa el tiempo imaginando lo que debe ser mirar a los ojos de un desconocido que no comparte contigo ni la raza y estar en plena sintonía con él. Más que otra cosa TALKING TIMBUKTU es una buena prueba de todo aquello que podemos conseguir como personas si nos acercamos a los otros con humildad. Ry Cooder y el malogrado Ali Farka lo dejaron claro; aquí no hay nadie mejor que nadie.

HANK III. Straight To Hell. (Grabado entre Diciembre de 2004 y Enero de 2005)

2010-04-14T14:11:00.000-07:00

Hank III es el nieto outsider de Hank Williams. Si consideramos que Hank Williams ya estaba de por sí lo suficientemente descarriado como para morir a la edad de treinta años la cosa se pone peliaguda.
Pero vayamos por partes y primero presentemos al abuelo antes de llegar al nieto. Hank Williams(el abuelo) fué un músico de country pionero en lo que a popularidad se refiere llegando a convertirse en una auténtica leyenda a muy temprana edad. Al morir su padre Hank Williams II(hijo de H.W.I) se convirtió en un músico mucho más dotado que su antecesor pero menos capacitado para llegar a la gente. Si bien se hizo respetar en el correoso y siempre exigente mundo del country nunca llegó ni de lejos a las cotas alcanzadas por su progenitor. En esas apareció Hank Williams III(nieto de H.W.I y personaje que nos ocupa) un fulano difícil de encasillar pero que sin lugar a dudas representa como nadie la rebeldía en estado puro. Peleado de por vida con su compañía discográfica por introducir temáticas y lenguaje explicitos en sus canciones, se ha dedicado durante años a mostrar con pelos y señales todo lo peor que uno puede encontrarse en Estados Unidos. Para la comunidad del cinturón de la Biblia la aparición de Hank III fué como tener al enemigo en casa. Nunca antes un sureño había utilizado tanta mierda arrojadiza, nunca antes se había escuchado un disco ajeno al rap que fuera tan explícito y tan polémico. Nunca antes un disco de country había tenido la pegatina de aviso parental en su portada.
Las letras de Williams hablan de drogas y sexo, hablan de lo podrido que está todo, de emborracharse, de paletos que quieren tirarse a una cabra y maravillas por el estilo. Pero en el subtexto vemos la marca de todo aquello que ha sido leyenda y pierde su brillo y se vuelve amarillento. Vemos lejanamente la sombra de su abuelo, un borracho histórico, un hombre de campo que no supo encajar la fama. Un malnacido de bar que pega manotazos en los culos de las camareras, que escupe, que gruñe y que cuando muere va derechito al infierno.

DAVID BOWIE. Aladdin Sane.(Grabado entre 1973 y 1974)

2010-03-17T14:10:00.000-07:00

Raro como un perro verde, extrañamente atraído por lo asexuado y temiblemente cambiante tanto en continentes como en contenidos, David Bowie era una bomba en los setenta. Encadenó en pocos años una serie de discos/milagro que abrieron ojos y oídos a partes iguales cambiando para siempre gustos e influencias, iconografía y estilo. A un paso de la era punk este artista, perfectamente encasillable entre los más flipados de la historia, se atrevía con el rock de guante blanco.
Bowie destacó siempre como un tipo demasiado independiente como para hacer caso de la moda o los esteriotipos mostrando un individualismo feroz que lo llevó a consolidarse como un estilo personificado. He aquí un ejemplo más.
Lo mejor de Aladdin Sane es el ambiente distendido y la crudeza rock que desprenden sus canciones. Las temáticas de sus letras son difíciles de descifrar pero, por encima de la barrera de esperpentos, brilla la preocupación por el futuro y la vida en las ciudades. Un personaje como este que siempre se nutrió de la respiración nocturna y la rebeldía juvenil no podía presentar cuatro cancioncillas de amor y esperar los pasmos del respetable. Para conseguir ser Bowie, hay que ser marciano y visceral, ser un pasota que mira de reojo la fama entre sorprendido y altivo. Ser Bowie, el Bowie de este disco, significa que eres conocedor de todos los registros y cada una de las antesalas que hicieron del rock la fotografía perfecta del siglo XX.

MARVIN GAYE. What`s Going On. (Grabado entre 1970 y 1971)

2010-02-18T16:13:00.000-08:00

Cuando se habla de álbumes conceptuales enseguida pensamos en bastas obras a menudo demasiado hinchadas como para moverse con soltura. Pensamos casi sin darnos cuenta en rock progresivo o singularidades cercanas al art-rock.
Marvin Gaye fué un hombre diferente a los demás en muchos aspectos de su vida y de su muerte. Era como tantos y tantos otros un hombre torturado pero consciente de su talento.Una dulce voz de iglesia que hablaba en sus canciones de gozar con el sexo y de perpetrar sensualidades con el cuerpo.Algo así como la respuesta intelectual a James Brown.
Y sí, también acercó el álbum conceptual al pueblo llano y dotó a sus letras de un aire contemporáneo con referencias a la guerra de Vietnam o el abuso de la naturaleza por parte del hombre. Las canciones de este disco intimista y visceral parecen sacadas de un libro de experiencias, una especie de relato cercano a la santidad. Todo es calma, las conclusiones aunque hirientes, son claras. El dolor es grande, la espera larga. Pero por encima de todo este es el disco que ha dado más significado a denominación Soul. El alma del sonido Motown, la quintaesencia.
Y aunque se trate de una obra tan universal como los grandes discos de The Beatles también se notan las referencias a la vida personal de su creador, que sin duda alguna fué y seguirá siendo todo un abanico de caprichos mas propios de una opereta que de la realidad. Gaye fué un hombre infeliz por culpa de alguna de las decisiones que tomó en su vida. Una de esas peregrinas decisiones fué contraer matrimonio con la hermana del dueño de su casa de discos. Atado de por vida a la esclavitud profesional/matrimonial, buscó el consuelo en los excesos sexuales. Y esos excesos fueron el detonante para que el día antes de su cumpleaños su propio padre, que era pastor de una iglesia, lo asesinara de un disparo. Es muy probable que el señor Gaye, que dicho sea de paso jamás fué a la cárcel por aquel crimen, no viera con fuenos ojos que su hijo, tan cercano en la voz a un ángel, tuviera tanta facilidad para follar.
La vida en ocasiones nos ofrece estas cosas extrañas que dificilmente pueden explicarse, cosas que parecen sacadas de la novela de algún autor loco. La vida puede ser muy cabrona. Entre susurros Marvin nos lo cuenta.
¡Qué magnífica banda sonora para una vida tan perra¡

BRIAN WILSON. Smile. (Grabado en 2004)

2009-11-19T15:43:00.000-08:00

Este disco es un caso extraño porque fué publicado cerca de cuarenta años después de haber sido cumpuesto y grabado. Es más, fué regrabado en el año 2004 a partir de la obra original.
La explicación para semejante rareza no es sencilla. En un principio debió publicarse como álbum de The Beach Boys grupo en el que militaba Brian Wilson en 1967. El disco de 1966 de dicho grupo fué "Pet Sounds", una maravilla pop ensalzada por la crítica pero despreciada en aquel momento por el público. Cansados de sus extravagantes métodos de trabajo y sus alucinadas composiciones, los demás miembros del grupo (en su mayoría familiares) le dieron un ultimátum a Brian Wilson: o componía éxitos fáciles o se iba a la calle. Esta encrucijada acabó en una serie de dramas que derivaron en una grave enfermedad mental para Wilson y su posterior deserción del grupo. Por supuesto Smile jamás llegó a las tiendas como tal sino que se desgranó en diferentes discos y en versiones piratas. Durante años fué considerado el disco fantasma por excelencia, la piedra angular de la leyenda pop californiana.
Ya recuperado de sus problemas de salud, Wilson reclutó a una serie de músicos jóvenes con los que ya había tocado previamente y juntos grabaron de nuevo el disco completo tal y como lo habían concebido él y su letrista Van Dike Parks.
La leyenda estaba bien erigida pero era necesario que los cimientos no fueran otros que las mejores canciones pop jamás escritas. Y la verdad es que es muy probable que ése sea el soporte real del álbum.
Estructurado como si de una ópera se tratara, las canciones se suceden una tras otra en una suerte de armonía vocal sobreexpuesta y arreglos de orquesta. La obra magna, "una sinfonía adolescente para Dios" como la definió el propio Wilson, no era otra cosa que el dibujo febril y alucinado de un joven que escuchaba voces en su cabeza. Por suerte esta vez las voces no gritaban "Matalos a todos¡¡", esta vez las voces le dictaron a su víctima "Good Vibrations". Bendita locura.

KANYE WEST. Late Registration. (Grabado en 2004)

2009-11-19T14:52:00.000-08:00

En los discos de rap, desde los Beasties Boys hasta Outkast pasando por Public Enemy, una buena producción siempre ha sido fundamental. Saber elegir bien el sampleo, desgranar los ritmos correctos y rodearse de los mejores acompañantes posibles han sido aspectos casi tan fundamentales como las propias letras. En el caso de Kanye West cuya habilidad literaria nunca ha sido una de sus mayores virtudes, la producción se tornaba en el elemento que lo diferenciaba ( y lo diferencia) del resto. En una época en la que Timbaland utiliza hasta el llanto de un niño para crear ritmos machacones West echa mano de los clásicos negros de la Motown y de algunas piezas de soft jazz para llenar su segundo disco de ritmos completamente pegadizos desde el minuto uno. Es muy sencillo reconocerle la inteligencia a este músico de Chicago que comenzó en la pecera produciendo los discos de otros y acabó contra todo pronóstico delante de las cámaras montando pollos del tamaño del Empire State. La sapiencia musical de la que hace gala Kanye West es de escándalo, entre las pistas del álbum se escuchan los ecos de inmortales como Ottis Redding, Ray Charles o Natalie Cole y todo ello remezclado y aliñado con compañías que buscan la eternidad de la música negra como Jay- Z o Nas.
En el aspecto literario, West se desmarca no como un letrista virtuoso sino como un efectista periodista de investigación. Sabiendo perfectamente que su estatus social (su madre era profesora universitaria y su padre fotógrafo) estaba mal visto por sus coetánios se desmarca claramente con la denuncia social profunda como arma arrojadiza renunciando así al rap de pistolas y tangas que practicaban los gangsta de su época. Atrás deja la eterna falacia de que los discos de rap están hechos como un monumento al arribismo.
Kanye West se muestra como un artista social, observando, anotando y criticando el ambiente de unos Estados Unidos asustadizos y en el que la violencia impera. De esta manera adopta el punto de vista de una estrella del pop, intelectualemente potente y respetado más allá del gran charco.
En las calles no solo vale correr. Kanye West se pasea tan campante y de momento no necesita parar disparos con la cara para ser trascendente.

FORMACIÓN: Kanie West (producción y voz) y cientos y cientos de colaboradores que no pueden ser transcritos debido a su elevado número.

CANCIONES:

1. Wake Up, Mr. West
2. Heard´Em Say
3. Touch The Sky
4. Gold Digger
5. Drive Slow
6. My Way Home
7. Crack Music
8. Roses
9. Bring Me Down
10. Addiction
11. Diamonds From Sierra Leone
12. We Major
13. Hey Mama
14. Celebration
15. Gone

BLACK SABBATH. Black Sabbath. (Grabado en 1969).

2009-10-08T01:59:00.000-07:00

Existe una leyenda curiosa acerca de esta portada tan tétrica: hay quien dice que la figura oscura del centro no estaba presente cuando se tomó la fotografía original. Y es muy probable que sean legión los que se crean la historia y pasen horas de su tiempo mirando la cara de esa mujer misteriosa. Lo que ven realmente no es otra cosa que un fantasma. El único fantasma que podemos ver cada día. Lo llaman publicidad y se nos aparece en cualquier sitio, cuando menos nos lo esperamos. Estamos curados de espanto por supuesto, pero aún nos hiela la sangre su inmensísimo poder. Para muestra aquí tenemos el botón de la camisa negra de Black Sabbath.
Con este disco comenzó el baile de la mercadotecnia con el diablo y todos sus derivados. De repente a algún avispaso se le ocurrió que el terror no tenía porqué ser terreno exclusivo del cine. Los abanderados de la idea fueron Black Sabbath con un sonido oscuro cargado hasta los topes de riffs majestuosos y unos textos que hacían referencia al maligno y a la magia. Lo que hoy en día serían letras irrisorias, en 1970 se trataba de auténticas manifestaciones satánicas. El impacto no tardó en traducirse en fascinación para miles y miles de fans. Los acólitos de Ozzy Osbourne lo habían logrado. El impacto de su imagen hizo pensar a muchos que más que un grupo de rock se trataba de auténticos miembros de una secta. Es lo que tiene ver un fantasma, de repente aparecen más.
Cuando comienza a sonar la lluvia que precede a la primera canción (titulada, cómo no, Black Sabbath), a uno se le olvidan los artificios y es imposible dejar de sobrecogerse por la inmensidad sonora que despliega este cuarteto inglés. Los primeros riffs de la historia del metal si bien no fueron los más brillantes, si fueron los más influyentes y proporcionados. Esa inmensidad casi cósmica que adquieren canciones como N.I.B. o The Wizard no ha sido ni por asomo igualada aún. Años después llegarían la velocidad y el virtuosismo, con derivaciones como el speed, el black o el trash metal. Pero hace casi cuarenta años todo comenzó con una portada en la que aparecía un fantasma.

FORMACIÓN: Ozzy Osbourne (voz), Tony Iommi (guitarra), Geezer Butler (bajo), Bill Ward(batería).

CANCIONES:
1. Black Sabbath
2. The Wizzard
3. Behind The Wall Of Sleep
4. N.I.B.
5. Evil Woman
6. Sleeping Village
7. The Warning
8. Wicked World

SLIPKNOT. Vol.3 (The Subliminal Verses). (Grabado en 2003)

2009-09-22T13:32:00.000-07:00

Nueve tíos con máscaras de Halloween. Nueve tíos con máscaras de Halloween que tocan en una banda de metal. Nueve tíos con máscaras de Halloween que tocan en una banda de metal y que para su tercer disco deciden contratar a Rick Rubin, un productor especialista en sacar el sonido esencial de todos y cada uno de los artistas con los que se topa. Podría haber sido un problema grave para una banda que tiene dos guitarristas, un bajo, dos percusionistas, un teclista, un batería, un dj y un cantante. Demasiada gente pensarán algunos. Demasiados egos. Solo la casualidad o el amor fraternal pueden hacer que se mueva una máquina tan colectiva. Sí. Podría haber sido un desastre total intentar que una banda de proporciones tan gigantescas sonara simple. Y lo más seguro es que las sesiones de grabación de este disco fueran como mínimo tensas. Pero todo eso sólo puede afectar de forma negativa a una banda normal.Nueve tíos con máscara, eso hay que recordarlo. Para Slipknot cuyo trabajo, no lo olvidemos, es hacer ruido, el caos es lo más parecido que existe a un hogar y la confrontación es una magnífica herramienta de trabajo para llevar a buen puerto sus ideas. Por potencia y contundencia este es un trabajo que asusta, porque está pensado para hurgar en cada herida y se acota en el terreno de lo afilado, lo roto, lo sucio... mala hostia destilada con mala hostia.

Pero no hay que engañarse, detrás de cada letra desesperada, de cada sección rítmica atronadora, de cada guitarreo chirriante y de cada máscara aterradora aguarda, medio aletargada, la expresión del arte más brutal que pueda salir de la mente de alguien.

Quizá estos chicos de Iowa no nacieron para ser sutiles, quizá pensaron que si rompían la puerta les sería más sencillo entrar que llamando.

Mentes sensibles, por favor, no se abstengan. Entre lo sucio también podemos encontrar maravillas.

FORMACIÓN: Corey Taylor (voz), Mick Thomson (guitarra), James Root (guitarra), Paul Gray (bajo), Joey Jordison (batería), Shawn Crahan (percusión), Chris Fehn (percusión), Sid Wilson (teclados), Craig Jones (dj).

CANCIONES:

1.Prelude 3.0

2.The Blister Exists

3.Three Nil

4.Duality

5.Opium Of The People

6.Circle

7.Welcome

8.Vermilion

9.Pulse of the Maggots

10.Before I Forget

11.Vermilion Pt.2

12.The Nameless

13.The Virus Of Life

14.Danger Keep Away

HERCULES AND LOVE AFFAIR. Hercules And Love Affair. (Grabado en 2008)

2009-09-03T15:34:00.000-07:00

Hercules and Love Affair es un colectivo de músicos de Nueva York que hace básicamente música de baile. Hasta ahí todo normal. Pero ¿qué pasa cuando lo que todo el mundo da por sentado que es algo sencillo pasa a otra dimensión?
Lo que pasa es que sencillamente se crea escuela. Se es un referente.
Eso es lo que este grupo ha conseguido.
Lo que normalmente era considerado como algo inofensivo muta y asciende a cotas nunca antes alcanzadas.
Hercules And Love Affair demuestra que en esto de la música, si las cosas se hacen bien no es necesario hacer lo que los críticos dictan como artístico. El rincón de la música de baile, lleno de horteradas horripilantes y muñecotes grotescos , adquiere de repente un aire de triunfo muy poco visto. La música está bien medida, los músicos hacen suyo el terreno, lo delimitan, lo cuidan, lo abonan y acaba germinando la belleza.
El vocalista Antony es, en mayor o menor medida, el gran culpable de los picos más altos de este disco. Su sensibilidad infinita nos muestra todo un mundo de sencasiones sin las que ( oh dios mio¡¡¡) no comprendemos como hemos podido vivir antes. La elegancia se torna una costumbre en cada corte, la sencillez toda una muestra de maestría. De alguna forma es como ver a un grupo de equilibristas sobre una cuerda floja. A simple vista parece un ejercicio sencillo, pero en realidad se trata de una compleja sucesión de pasos precisos dados con determinación.
Aquellos que piensen que la música de baile es un género menor no han escuchado este disco todavía. Al hacerlo es posible que sigan pensando lo mismo. También es posible que deban irse a la mierda. Lo que es seguro es que se irán bailando.

FORMACIÓN: Antony (voz), Kevin Barker (guitarra), Andrew Butler (teclados), Tim Goldsworthy (batería electrónica), Nomi (voz), Nick Millhiser (batería), Andrew Raposo (bajo), Carter Yasutaki (trompeta), Cory King (trombón), Maxim Wiley ( metales), Morgan Willey (teclados), Tyler Pope (bajo), Kim Ann Foxman (voz), Steve Bernstein (trompeta), Eric Broucek (guitarra rítmica).

CANCIONES:
1. Time Will
2. Hercules Theme
3. You Belong
4. Athene
5. Blind
6. Iris
7. Easy
8. This Is My Love
9. Raise Me Up
10. True False/Fake Real

JOHNNY CASH. At Folsom Prison. (Grabado en 1968)

2009-09-03T14:49:00.000-07:00

"At Folsom Prison" es por muchas razones un disco muy especial. Para empezar está el hecho de haber sido grabado en directo ante dos mil de los prisioneros que abarrotaban la prisión Folsom del estado de California. Sin duda alguna un público de esas características podía ser un motivo de preocupación para cualquier otro cantante, pero en el caso del Hombre de Negro esa cuestión no tenía importancia. De hecho a lo largo y ancho de la grabación Johnny Cash no para de hacer bromas con los presos:"Este concierto está siendo grabado para ser editado como disco en un futuro así que no digais "mierda" ni cosas por el estilo", les advierte divertido al comienzo de una de las canciones.
Para Cash, que había estado recluido en una cárcel no mucho tiempo antes, era una especie de reencuentro con su lado oscuro, ese lado salvaje, rebelde y violento que siempre le acompañó en su vida y que solo pudo apaciguar a través de la exorcización musical con discos como este que no solo lo volvieron a colocar en el mapa, sino que lo convirtieron en leyenda.
Y, por si fuera poco, esta fué la última grabación en la que intervino Luther Perkins, un grandísimo amigo de Cash y que murió ese mismo año en un incendio.
Este documento histórico para la música atestigua la grandeza de un hombre que, a pesar de sus demonios interiores, poseía una capacidad infinita para caer bien y ser admirado por cualquiera.
Una muestra más de un corazón grande que regaló a un montón de hombres infelices un pedazo de libertad al que ningún muro pudo poner límites.
Y es que en el imaginario colectivo de Estados Unidos hay quien piensa que la voz de Johnny Cash es la voz de Dios.

FORMACIÓN: Johnny Cash (voz y guitarra), June Carter (coros y voces), Familia Carter (voces), Marshall Grant (bajo), W.S.Holland (batería), Carl Perkins (guitarra eléctrica), Luther Perkins (guitarra eléctrica), Hermanos Statter (voces).

CANCIONES:
1. Folson Prison Blues.
2. Dark As The Dungeon.
3. I Still Miss Someone.
4. Cocaine Blues.
5. 25 Minutes To Go.
6. Orange Blossom Special.
7. The Long Black Beil.
8. Send A Picture Of Mother.
9. The Wall.
10. Dirty Old Egg-Suckin´Dog.
11. Flushed From The Bathroom Of Your Heart.
12. Jackson
13. Give My Love To Rose.
14. I Got Stripes
15. Green, Green Grass Of Home.
16. Greystone Chapel.

MICHAEL JACKSON. Bad. (Grabado entre 1986 y 1987)

2009-06-25T16:49:00.000-07:00

Los límites conocidos de la producción musical fueron superados con creces en este disco/catedral/experimento/circo. Simplemente no parecía probable que se superaran los niveles de acierto conseguidos en su anterior disco, simplemente era imposible llegar más lejos, simplemente inalcanzable, simplemente insuperable. Pero con Michael Jackson esas palabras carecen de sentido. Dejaron de tenerlo en el momento en el que la varita mágica de la fiebre musical tocó la frente de este chico tímido convirtiéndolo en un demonio creador de música para masas.
El talento musical en bruto es algo que muy pocos tienen la suerte de poseer, si a ese talento se le añade la capacidad inagotable de sorprender y fascinar, la mezcla se convierte en incalificable. Y si, en un retruco final, le sumamos la genialidad de un productor con el don de la providencia, el resultado es la mejor música pop que se ha hecho jamás.
La dupla de talentos que exhibe Bad es casi increíble y por momentos, convierte al oyente en un ser boquiabierto incapaz de anticiparse, un pelele machacado por el ritmo y la armonía.
Encontrar un disco mejor producido en el mercado es sencillamente imposible. Esperar que alguno de los venideros lo supere es improbable. Imposible e improbable. De nuevo las palabras de las que tantas veces se ha reído Jackson con sus demostraciones de humildad. De nuevo la leyenda, el mito, el mejor single de la historia, el chico de las estrellas. La estrella. Todo eso y más. Solo hace falta escuchar "Smooth Criminal" para comprenderlo todo.

MÚSICOS: Michel Jackson (voces , coros y diferentes percusiones), el listado de músicos que intervinieron en "Bad" es tan extenso que es irreproducible por escrito.

CANCIONES:
1. Bad
2. The Way You Make Me Feel
3. Speed Demon
4. Liberian Girl
5. Just Good Friends
6. Another Part Of Me
7. Man In The Mirror
8. I Just Can´t Stop Loving You
9. Dirty Diana
10. Smooth Criminal
11. Leave Me Alone

FAITH NO MORE. Angel Dust. (Grabado en 1992)

2009-06-17T14:40:00.000-07:00

Si partimos de la premisa básica, para un grupo de rock lo más importante sería que cada una de sus indivualidades sonara al unísono como una sincronía de talentos. Sin embargo los equipos dependen también de esa cosa mágica y extraña que algunos llaman química y que convierte el talento en hechos. Sin ella, sin esa particularidad excepcional que convierte las canciones en viajes y las vidas de los músicos en leyenda ,el músculo se pone al servicio de la nada. Se pierde fuerza y se acaba con la atrofia de los sonidos que pudieron ser y finalmente se perdieron. Faith No More fué un grupo que partiendo de una serie de individualidades extraordinarias supo encontrar con sorprendente claridad su magia particular, su química de la droga musical en este su canto de cisne (rara vez esta expresión puede utilizarse de forma tan evidente). Ni al más loco directivo de una discográfica se le hubiera ocurrido semejante mezcla: cantante dotadísimo con capacidad de mando y predilección por los experimentos, teclista abducido por un ovni empujado a repruducir los sonidos que le fueron revelados en las lejanas galaxias, sección rítmica curtida en banda de punk y guitarrista con el cancionero completo del "metal" en la cabeza. Por supuesto la formación de este disco acabó disuelta tras las giras correspondientes aunque siguieron editando discos con diferentes integrantes. La química, aunque notable, nunca llegó a alcanzar los niveles que aquí aparecieron.
Tras la disolución Jim Martin, el guitarrista, se retiró y se convirtió en granjero. En el mundo de Faith No More estas cosas pasan. Lo extraño es lo habitual.
Poner este disco en un estante compartiendo espacio con los otros es como meter a un marciano en una cárcel. Es probable que esté en su sitio pero ¿porqué?

FORMACIÓN: Mike Patton (voz), Jim Martin (guitarra), Mike Bordin (batería), Billy Gould(bajo), Roddy Bottum (teclados).

CANCIONES:
1. Land Of Sunshine
2. Caffeine
3. Midlife Crisis
4. RV
5. Smaller and Smaller
6. Everithing´s Ruined
7. Malparctice
8. Kindergarten
9. Be Agressive
10. A Small Victory
11. Crack Hitler
12. Jizzlobber
13. Midnight Cowboy
14. Easy

RADIOHEAD. Ok Computer.(Grabado en 1996/97)

2009-05-21T16:29:00.000-07:00

Estamos ante el disco aclamado, el bombazo que lo cambió todo y que tantos y tantos grupos imitaron sin éxito. Estamos ante el santo santorum del rock europeo venerado por la gran mayoría y odiado por unos pocos que lo consideran sobrevalorado. Ok Computer, el santo grial de la crítica especializada, el disco multiplatino en medio mundo, el trampolín de Radiohead. Las discusiones se han apagado con el paso de los años pero hubo una época en la que el horizonte se llamaba como este disco y el posicionamiento hacia él casi te podía marcar la personalidad. Realmente se puede considerar una exageración pero en muy pocas ocasiones la música popular ha generado tanta discusión como en el caso de esta grabación. Seamos concretos pues para intentar resolver el misterio.
Lo realmente extraordinario, lo que hace que esta sea una obra capital, es su acercamiento a la problemática del hombre con su entorno cada vez más cambiante. La tecnología se presenta como una amenaza, la ciudad, el hormigón, el tráfico y la armadura que los seres humanos usan como escudo, el sinsentido constante se retratan como en una polaroid, una imagen poco profunda pero con formas bien definidas. Las canciones son de una belleza enorme pero escondida tras montañas irregulares de sonido distante, y Tom Yorke canta con una dejadez fingida que no impide entrever la esencia de sus cuerdas vocales, el dolor profundo y la esperanza disfrazada de hastío.Este es un disco grande porque pertenece a su época y a todas, es moderno porque como todas las obras que lo son tratan al hombre desde sus adentros, desde el contenido,pero con un continente único. Toda la leyenda del mejor grupo del mundo y la pose es una invención de aquellos que siempre quieren ver algo más. Lo mejor de Ok Computer no se puede explicar con palabras.
Mejor oírlo que comentarlo. El miedo debe experimentarse en directo.

FORMACIÓN: Thom Yorke (voz), Joony Greenwood (guitarra además de casi todos los demás instrumentos), Ed O´Brien (guitarra), Colin Greenwood (bajo), Phil Selway (batería).

CANCIONES:
1. Airbag
2. Paranoid Android
3. Subterranean Homesick Alien
4. Exit Music (For a Film)
5. Let Down
6. Karma Police
7. Electioneering
8. Climbing Up The Walls
9. No Surprises
10. Lucky
11. The Tourist

RORY GALLAGHER. Photo- Finish. (Grabado en 1977)

2009-04-22T15:33:00.000-07:00

Rory Gallagher es un olvidado del rock, el típico caso de músico con talento que desaparece y que solo lo conocen aquellos que han tenido la suerte de toparse con su música por casualidad. Sin embargo en este comentario no se leerá esa frase tan manida de "eso lo hace más grande, más underground y por lo tanto de culto". Eso es una soberana gilipollez. Que a este hombre no lo conozca más gente es una tragedia sin parangón.
La guitarra eléctrica de Rory era de esas que te empujan hacia la pared como un tornado, girando con el riff hasta volverte loco y abrir tu apetito sexual. Quien busque aquí flirteos con el intelectualismo se va a encontrar con un "que te jodan" histórico.
Las temáticas de las canciones de este hombre eran básicamente tres: las películas de gangsters, la vida en la carretera y el rock como forma de vida. Las florituras sólo le estaban permitidas a la guitarra. De hecho muchas veces era la guitarra la verdadera voz del tema. Sin embargo estamos ante un caso de virtuoso nunca antes visto, muy al contrario que muchos otros paganinis, sus incursiones en el terreno pantanoso del riff por el riff parecen absolutamente necesarias, casi como una estructura dentro de la estructura de la canción.
La afición por la bebida de Rory Gallagher le costó la vida pero por el camino que recorrió junto a su herramienta creadora de tormentas nos dejó una herencia sónica sin igual a la que a uno le cuesta acercarse sin protección. Por el cielo vuela en círculo el sentido del rock.
En todos los bares del mundo debería haber un disco de Gallagher. ¿Acaso no hay crucifijos en las iglesias?

FORMACIÓN: Rory Gallagher (voz, guitarras y mandolina), Gary McAvoy (bajo), Ted McKenna (batería).

CANCIONES:
1. Shin Kicker
2. Brute Force and Ignorance
3. Cruise On Out
4. Cloak and Dagger
5. Overnight Bag
6. Shadow Play
7. The Mississippi Sheiks
8. The Last Of The Independants
9. Fuel To The Fire

PEARL JAM. Vitalogy. (Grabado en 1994)

2009-04-04T03:55:00.000-07:00

Para una banda que ha vendido millones de discos presentar uno como Vitalogy puede significar un suicidio comercial. Extrañamente presentado como una especie de libro/disco, con canciones furiosas y experimentos locos además de retratos conscientes del impacto de la fama, hicieron de este un disco cuanto menos peculiar.
También es un desmarque evidente del movimiento grunge en el que se había incluido a Pearl Jam. Vitalogy suena como un disco de rock americano pero con las diferencias que caracterizan la banda: un gusto extremo por el rock puro y sus esencias, personificación de la naturaleza como una fuerza extraordinaria por encima de casi cualquier cosa, cohesión absoluta y, por encima de todo, entrega. La legendaria entrega de Pearl Jam que los convierte en un referente de lo que siempre se ha llamado "sudar la camiseta" y que los coloca directamente al lado de todos y cada uno de los currantes del rock. Bruce Springsteen incluido.
Eddie Vedder, el cantante, pinta el cuadro esencial de su existencia, reflejando en sus canciones las preocupaciones de la fama y el dinero, recuerdos de una infancia extraña y lo que significa luchar cada día por el amor, el presente y el pasado, con sus cargas y sus gracias.
Su voz es como una bobina Tesla, un estruendo espectacular pero también conmovedor que no pasa desapercibida para nadie y que sin duda, debe ser la voz de un hombre que ha habitado consigo mismo y que no acaba de encontrarse a gusto con su vecino. Su sensibilidad está a la altura de su canto.
La bandera de este grupo es la honestidad más absoluta. Cuando Neil Young decida ceder su cetro, la siguiente banda de rock inmortal será esta. El bueno de Neil sabe que no tiene ningún heredero mejor.

FORMACIÓN: Eddie Vedder (voz, guitarra y acordeón), Stone Gossard (guitarra y melotrón), Mike McCready (guitarra), Jeff Ament (bajo, contrabajo, coros), Dave Abbruzzese (batería), Jack Irons (batería adicional).

CANCIONES:
1. Last Exit
2. Spin The Black Circle
3. Not For You
4. Tremor Christ
5. Nothingman
6. Whipping
7. Pry, To
8. Corduroy
9. Bugs
10. Satan´s Bed
11. Better Man
12. Aye Davanita
13. Immortality
14. Hey Foxymophandlemama, That´s me

CAMARÓN. La Leyenda Del Tiempo. (Grabado en 1979).

2009-04-03T10:27:00.000-07:00

En japonés la palabra crisis también significa oportunidad.
En 1977 Camarón se quedó sin Paco de Lucía, el guitarrista que le había acompañado desde el primer disco y que había decidido despegar en solitario como concertista.
Imposible como era sustituir al genio de Algeciras en el toque del flamenco más ortodoxo, es muy posible que Camarón pensara en un cambio de aires.
Para esa nueva oportunidad que se le presentaba se rodeó de músicos jóvenes y letras antiguas.
El resultado, un disco de flamenco, a veces flamenco-rock, impregnado con la esencia del maestro de los poetas y la revolución de las nuevas palmas acompañadas con bajo eléctrico y batería. Nadie esperaba semejante movimiento hacia la modernidad, hacia ésa nueva frontera que muchos entendieron mal acuñando lo que hoy se conoce como flamenco-fusión. Camarón no abandonó los palos antiguos (que no obsoletos) sino que los renovó con atino y buen criterio.
Con esa sonoridad tan nueva y fresca, la voz de Camarón eterna y titánica, aparece en llamaradas de pasión y caudales de seda, no como nunca, sino como siempre: como un torrente flamenco imparable. Quien dice que no habrá otro Camarón es posible que tenga razón.
Fué y será un buen embajador de la poesía y el cante bien entendido, un rara avis revolucionario cuyo plumaje era tan extraordinario como su canto.
Si Lorca hubiera conocido a su intérprete a buen seguro que estaría orgulloso.

FORMACION: Camarón de la Isla (voz), Tomatito (guitarra flamenca), Raimundo Amador (guitarra flamenca), Jorge Pardo (flauta), Manolo Marinelli (teclados), Rafael Marinelli (piano), Pepe Roca (guitarra eléctrica), Gualberto (sitar), Rubem Dantas (percusión), Tito Duarte (percusión), José Antonio Galícia (batería), Antoni Moreno "Tacita" (batería) y Pepe Ebano(bongos).

CANCIONES:
1. La Leyenda Del Tiempo
2. Romance Del Amargo
3. Homenaje a Federico
4. Mi Niña Se Fué A La Mar
5. La Tarara
6. Volando Voy
7. Bahía de Cádiz
8. Viejo Mundo
9. Tangos de la Sultana
10. Nana Del Caballo Grande.

ARTIC MONKEYS. Whatever People Say I Am, That´s What I´m Not. (Grabado en 2005).

2009-04-02T03:15:00.000-07:00

Hay comentarios que para según quién pueden representar un sacrilegio imperdonable, una vergüenza por la que es necesario pagar un tributo cuanto más desagradable mejor. Así pués ahí va: los Artic Monkeys son el mejor grupo inglés que ha surgido en 20 años. Y es muy probable que en otros tantos no vuelva a surgir del frío nada parecido.
Lo que en otros discos se traduce como rábia adolescente, en este aparece como frescura y sapiencia musical. Estos imberbes de Sheffield deberían estar en el colegio, no haciendo obras maestras de la música popular.
La vehemencia y el aplomo con el que está ejecutado este disco asustaría al mísmisimo John Lennon, no es normal escuchar un grupo tan cohesionado, tan bien medido, tan poco dado a la dispersión. La dirección siempre parece ser la correcta y la velocidad está medida con un metrónomo, no hay nada que puedas dejar fuera ni nada que eches de menos. Y las canciones...
si de las canciones hablamos ya no hay medida para enmarcarlas, la humildad es el arma utilizada para engrasar la maquinaria. Las melodías no estan sacadas de ninguna manga, no hay trucos ni conejos saliendo de chisteras. Estos chicos se metieron un día en un garaje y salieron con una colección de canciones debajo del brazo que tienen toda la pinta de llegar a ser legendarias.
Si el Dios de la música los cuida no habrá forma de parar a esta gente. Es imposible determinar a qué altura llegarán. De momento, cuando comienza "I bet you look good on the dance floor" el suelo sigue moviéndose.

FORMACIÓN: Alex Turner (guitarra y voz), Jamie Cook (guitarra), Matt Helders (batería) y Nick O´Malley (bajo).

CANCIONES:
1. The View Of The Afternoon
2. I Bet You Look Good On The Dancefloor
3. Fake Tales Of San Francisco
4. Dancing Shoes
5. You Probably Couldn´t See For The Lights But You Were Staring At Me
6. Still Take You Come
7. Riot Van
8. Red Light Indicates Doors Are Secured
9. Mardy Bum
10. Perhaps Vampires Is A Bit Strong But...
11. When The Sun Goes Down
12. From The Ritz To The Rubble
13. A Certain Romance

THE BEATLES. Revolver. (Grabado en 1966).

2009-04-01T16:10:00.000-07:00

The Beatles son legendarios por varias razones pero entre todas yo me quedaría con dos. Primera: tres de sus integrantes componían bien o muy bien. Segunda: su productor además de ser muy bueno era muy inteligente. Parecen razones sencillas e incluso un tanto débiles pero sólo en la superfície. El hecho de tener a tres tios componiendo a gran escala es una suerte que ningún otro grupo de la historia del pop o del rock ha podido disfrutar. Tener a un productor como George Martin manejando semejantes talentos es sencillamente irrepetible. No hay más secretos.
Los Beatles de Revolver son unos tipos que ya no se oyen en los conciertos y que han tomado la determinación de manejar el estudio de grabación como nunca antes se había manejado.Quieren usarlo como un instrumento más y lograr la perfección con su nueva herramienta de trabajo. Por eso este disco suena tan limpio, tan inmaculado tanto en composición como en producción. Cada acorde está tocado con minuciosidad y limpieza pero sin caer en el tedio. A cambio de la pasión ofrecen sentido del humor e ironía, a cambio de las filigranas ,detalles de altísimas cotas.
La orquestación, la armonía vocal, el sitar y la batería futurista. Todo tiene cabida en Revolver y todo tiene su sentido. Por las cabezas del Fab Four sólo rondaba la idea de lo sencillo como algo moderno y lo eterno como algo sencillo.
Las drogas, la vida ajetreada, los rumores sobre muerte o separación... todo eso no importaba demasiado, lo primordial, lo único trascendente para estos tipos era la canción. Lo de si eran genios o no individualmente... mejor no entrar por si llueven los golpes. Lo que está escrito en el cielo es que eran un grupo genial.

FORMACIÓN: John Lennon (voz y guitarra), Paul McCartney (voz y bajo), George Harrison (voz y guitarra), Ringo Starr (batería).

CANCIONES:
1. Taxman
2. Eleonor Rigby
3. I´m Only Sleeping
4. Here, There And Everywhere
5. Yellow Submarine
6. She Said She Said
7. Good Day Sunshine
8. And Your Bird Can Sing
9. For No One
10. Doctor Robert
11. I Want To Tell You
12. Got To Get You Into My Life
13. Tomorrow Never Knows

SCOTT WALKER. Scott 3. (Grabado en 1969)

2009-04-01T14:28:00.000-07:00

Hoy en día Scott Walker es un señor de más de 60 años, poco dado a conceder entrevistas y dedicado a hacer discos cultísimos que gustan a muy pocos y que muy pocos se atreven a discutir. Pero hace 40 años lo que este hombre hacía en sus discos era pura mágia.
"Scott 3" encierra toda la melancolía perfumada de los besos dados con prisa y que nunca se repetirán, el sinsabor cortante de las despedidas de todos los amantes que saben con certeza que jamás se reeencontrarán y, por encima de todo, retrata con exactitud esa forma de ver la vida un tanto desacertada que tienen algunos genios y que los impulsa sin remedio al sufrimiento y la autodestrucción.
Las formas son todo un imperio en este disco, un arrebatador torrente de murallas hechas con arpas y violines preciosistas y que, junto a la voz colgada en lo imposible de Walker, se precipitan a una caída de lágrimas constante, muchas veces vertidas por desazón y muy pocas por alegría.
No son pocas las veces en las que, por fuerza, el nudo en el estómago sonoro se convierte en físico, y el amable músico se convierte en un cruel dibujante de escenas de desamor y de oportunidades perdidas, un hacedor de imágenes de desencuentro bajo la lluvia y desasosegantes derrotas con las que es imposible lidiar.
Scott Walker sacó un disco más después de éste y tardó casi diez años en volver a escribir una sola canción propia. Vivir con todo ése imaginario musical cargado a la espalda debió ser demasiado para una persona tan joven. Debe asustar mucho hacer milagros.

FORMACIÓN: Scott Walker (voz), los instrumentos fueron tocados por músicos de estudio no acreditados.

CANCIONES:
1. It´s Raining Today
2. Copenhagen
3. Rosemary
4. Big Louise
5. We Came Through
6. Butterfly
7. Two Ragged Soldiers
8. 30 Century Man
9. Winter Night
10. Two Weeks Since You´ve Gone
11. Sons Of
12. Funeral Tango
13. If You Go Away

AT THE DRIVE-IN. Relationship Of Command. (Grabado en 2001).

2009-03-26T16:55:00.000-07:00

Jorge Valdano dijo una vez sobre Ronaldo que verlo correr era como ver como corría una manada de búfalos.
Este disco causa la misma impresión pero, claro está, la experiencia es menos visual. Sin embargo, y siguiendo con símiles futbolísticos, este disco se desmarca una y otra vez para marcar una infinidad de goles. Todos entran por la escuadra. La violencia de los disparos es brutal.
At The Drive-In surgió de una ciudad en la que pasan demasiadas cosas. El Paso (Texas) delimita la frontera entre Estados Unidos y México y son miles las anécdotas sobre tráfico de drogas, borracheras y asesinatos que pueden contar en el departamento de policía de la ciudad. El choque de culturas se sirve bien caliente todas las mañanas.
Gracias a ese choque "Relationship Of Command" suena como sonaron en su momento los primeros discos de los Stooges o MC5, aplastantemente contundente. Tanto es así que no es demasiado recomendable escucharlo con cascos.
La agrevisidad se hace vívida en cada segundo de escucha y por momentos parece que el cantante llegue al paroxismo. Las reglas de melodía se quebrantan una y otra vez para dejar paso a torrentes de guitarra descontrolada, percusiones debastadoras y alaridos casi de auxilio.
Ross Robinson, productor experto en sacar el máximo rendimiento de las bandas más agresivas solo tuvo que invitar al grupo a tocar en directo para lograr su objetivo. Asistir a una actuación en vivo de At The Drive-In era terrorífico y divertido a partes iguales. Como una buena película de terror.
Pocas veces una banda se ha disuelto en un punto tan alto como lo hizo At The Drive-In y es muy probable que , aunque pasen muchos años, ningún disco tenga compactada tanta rábia y contundencia como lo tuvo este.
Desde México, con amor...

MUSICOS:

Cedric Bixler-Zavala (voz y guitarra), Omar Rodríguez López (guitarra, coros), Jim Ward (guitarras, coros y teclados), Paul Hinojos (bajo), Tony Hajjar (batería).

CANCIONES:
1. Arcarsenal
2. Pattern Against User
3. One Armed Scissor
4. Sleepwalk Capsules
5. Invalid litter Dept.
6. Mannequin Republic
7. Enfilade
8. Rolodex Propaganda
9. Quarantined
10. Cosmonaut
11. Non-Zero Possibility
12. Catacombs

MARK LANEGAN. Whiskey For The Holy Ghost. (Grabado en 1993)

2009-03-26T16:09:00.000-07:00

Falta la pistola. ¿O quizá la pistola esté en el contenido?.Quizá esa portada a lo Far West no sea más que pura pose. Escuchenlo y decidan.
Mark Lanegan parece un tipo serio hasta cuando sonríe.Y en este disco sonríe muy poco. Trece baladas de muerte y apuestas perdidas, trece malsanas visitas a bares repletos de humo en los que hasta el aire es pesado. Lanegan no es un tipo demasiado dado a sentimentalismos pero demuestra que dentro de su carcasa de motero late un corazón. Negrísimo, pero corazón al fin y al cabo.
Escuchando esa voz maltratada por los miles de cigarrillos fumados uno recuerda esas pelis antiguas en las que los tipos duros eran duros sin más. Serios, sin escrúpulos, tipos que más que paridos han sido escupidos y que se dedican a lo suyo, arrastrarse y arrastrar a otros al infierno.
Tipos simples con preocupaciones simples, que beben whisky del barato y fuman como carreteros esperando que otro de sus iguales se cruce en su camino para terminar como todos los tipos duros desean: pegando hostias.
Y eso es lo que hace precisamente Mark Lanegan en este disco, pegar hostias contundentes a todo aquel que se cruce en su camino, bien a puñetazos, bien despojándolo de armas.
No hay arreglos sublimes ni voces angelicales, no hay canciones de ensueño ni melodías para enmarcar.
En "Whiskey For The Holy Ghost" sólo hay el alma de un hombre, servida en bandeja para ser examinada. No puede haber forma de estar más desnudo. No puede haber forma de hacer un disco más sincero.

CANCIONES:

1. The River Side
2. Borracho
3. House A Home
4. Kingdoms Of Rain
5. Carnival
6. Riding The Nightingale
7. El Sol
8. Dead On You
9. Shooting Gallery
10. Sunrise
11. Pendulum
12. Judas Touch
13. Beggar´s Blues

MUSICOS:

Mark Lanegan (Voz,guitarra eléctrica y acústica), Mike Johnson (guitarras y órgano), Kurt Fedora (bajo), J Macis (batería), Teddy Trewhella (piano), Dan Peters (batería), David Kreuger(violín), Justin Williams (órgano).

THE WHITE STRIPES. Get Behind Me Satan. (Grabado en 2005)

2009-03-04T15:33:00.000-08:00

The White Stripes son un grupo muy atípico que hace discos muy atípicos pero con una sonoridad muy antigua. Algunas canciones parecen sacadas de los cancioneros de principios del siglo pasado, pero son tan modernas como cualquiera de las que suenan en las radiofórmulas actuales. Quizá esa mezcla entre lo antiguo y lo nuevo, lo sagrado de cantar frente al micro y lo profano de irse de la habitación a mitad del tema sea parte de su atractivo. "Get Behind Me Satan" es, por estilo, un disco de blues que se muestra en ocasiones tan obtuso y complicado como sencillas son sus canciones, a veces reducidas a voz y piano. Y es que precisamente en el contrapunto es donde este grupo se hace fuerte. Jack White, el guitarrista, parece ser capaz de tocar los solos de Hendrix de memoria mostrando en todo momento su gusto por el riff . Meg White, la batería, hace de la simpleza todo un arte aporreando como un metrónomo el bombo de su instrumento. Y justo ahí, entre el virtuosismo sublime y la simpleza salvaje, entre la chica que golpea como un demonio y el chico que toca como un angel, entre el blues añejo y las nanas para los niños, se sitúa el cruce de caminos, el famoso crossroad, en el que, sin duda alguna, el mísmisimo principe de las tinieblas les tendió la mano a estos dos y les preguntó: ¿Queréis pasar a la historia?.

FORMACIÓN: Jack White III (voz, guitarras, piano), Meg White (batería, voz y percusión).

CANCIONES:

1.Blue Orchid
2.The Nurse
3.My Doorbell
4.Forever For Her (Is Over For Me)
5.Little Ghost
6.The Denial Twist
7.White Moon
8.Instinct Blues
9.Passive Manipulation
10.Take, Take, Take
11.As Ugly As I Seem
12.Red Rain
13.I´m Lonely (But Ain´t That Lonely Yet)

NICK DRAKE. Five Leaves Left. (Grabado en 1968)

2009-02-26T17:02:00.000-08:00

A veces escuchando este disco se podrá tener la sensación de estar ante una colección de canciones primitivas, no demasiado complicadas y que se acercan muchísimo a la idea de lo que podríamos llamar "canciones de autor".Error.
Cierto que Nick Drake era el autor de sus discos y, cierto, el envoltorio de esta producción parece espartano e incluso hay quien dirá que aburrido.
Pero he aquí que esas composiciones tan propias, son a la vez tan universales como una reunión de idiomas, tan majestuosas que podrían erigirse como el imperio del cancionero humano. Esta música es lo que debería escuchar un extraterrestre para conocernos.
Si prestamos nuestros oidos a la voz de Drake y dejamos que sea nuestra única guía en la oscuridad, a buen seguro acabaremos viendo, que no escuchando, un paisaje de colores repleto hasta los topes de la gracia que sin duda debe acompañar a los genios.
En cuanto a la simpleza, no deberíamos confundirla con la humildad. Estas gigantescas canciones se presentan casi desnudas, a menudo acompañadas con una guitarra triste y algo de percusión , pero se convierten en todo lo que debe ser una gran canción. Una referencia, un estado de ánimo, un recuerdo o un pensamiento. Una historia. Un camino.
El paseo por este maravilloso disco es corto, pero debe recorrerse con la certeza de que al final nos encontraremos con nosotros mismos, sonreiremos y nos daremos la mano amistosamente.
La grandeza es lo que tiene.

MUSICOS: Nick Drake (voz y guitarra acústica), Paul Harris (piano), Richard Thompson (guitarra eléctrica), Danny Thompson (bajo), Clare Lowther (chelo), Rocki Dzidzornu (congas).

CANCIONES Y DURACIONES:

1. Time Has Told Me (3:56)
2. River Man (4:8)
3. Three Hours (6:01)
4. Day Is Dones (2:22)
5. Way To Blue (3:05)
6. ´Cello Song (3:58)
7. The Thoughts Of Mary Jane (3:12)
8. Man In Shed (3:49)
9. Fruit Tree (4:42)
10. Saturday Sun (4:00)

VAN MORRISON. Astral Weeks. (Grabado en 1968)

2009-02-25T16:11:00.000-08:00

Cuando tu primer disco en solitario es el mejor debut de todos los tiempos, lo tienes muy crudo. Morrison acababa de dejar su grupo y con solo 23 años firmó un contrato para iniciar una carrera en solitario.
Y de esa primera grabación salió esto. Este auténtico pilar de la música que muchos comparan con las mejores y más respetadas obras, esta colección de canciones sublimes que se pasean por la tierra de nadie dominando cada pulgada de terreno, cada centímetro. Este gigante, en definitiva, que devoró a su propio autor de tal forma que,aunque hoy en día es considerado un músico genial gracias a su extensa y magnífica obra, jamás logró igualar semejante hito.
Este monumental documento sonoro es el responsable directo de todos los debuts infumables que se pasean entre el misticismo falso y la grandilocuencia. Muchos han sido los incautos que tomaron nota de todo lo hecho en esta grabación pero son muy pocos los que realmente parecieron entenderla. Y es que entender la mezcla de géneros y temáticas que confluyen en Astral Weeks sería como tener un mapa a escala real del mundo y los sentimientos de los hombres, sería esa una guía práctica de todo lo que ha sido y será, de todas las épocas y colores y esperanzas y sinsabores que han existido. Una amalgama única, imposible y rara.
Cuando tu primer disco en solitario es el mejor debut de todos los tiempos, lo tienes crudo. No hay explicación a lo bien que le ha ido a Van Morrison. Debe ser horrible saber que nunca vas a superar la calidad de tu primer disco. Aunque es posible que produzca alivio saber que nadie lo hará.

FORMACIÓN: Van Morrison (voz y guitarra), Jay Berliner (guitarra), Richard Davis (bajo), Connie Kay (batería), John Payne ( flauta, saxo soprano), Warren Smith Jr. ( percusión).

TEMAS Y DURACIONES:

1. Astral Weeks (7:00)
2. Beside You (5:10)
3. Sweet Thing (4:10)
4. Cyprus Avenue (6:50)
5. The Way That Young Lovers Do (3:10)
6. Madame George (9:25)
7. Ballerina (7:00)
8. Slim Slow Slider (3:20)

QUEENS OF STONE AGE. Songs For The Deaf. (Grabado en 2002)

2009-01-21T15:16:00.000-08:00

Si nos ponemos a repasar los estantes de las tiendas de música, habrá muy pocas portadas que llamen tanto la atención como la de este disco.
Simbología practicamente demoniaca, encubriendo unas ganas de incordiar muy importantes.
Lo que hay en el interior también es inquietante pero resulta muy divertido. Riffs de aceleración caústica muy próximos a la época de las bandas del desierto de Joshua Tree, arrebatos de puro ritmo mastodóntico con ligeros toques árabes, canciones para las que la palabra rudo se queda muy corto.Se trata ni más ni menos que del alegato sonoro a la sexualidad más explícito que se haya grabado nunca (con permiso de los Zeppelin, claro).
Realizado como un álbum de falso concepto ( se utilizaron grabaciones simulando una radio ficticia) todo lo que contiene es de una asombrosa contundencia sin dejar de lado la festividad.
La formación de este grupo es tan única que sólo pudo ser reunida una vez. Mark Lanegan da muestras de su voz de ultratumba en algunas de las mejores conposiciones, el gran guitarrista Josh Homme es el encargado de poner voz a todo lo demás. Al bajo encontramos a un desmadrado Nick Oliveri en su última y más acertada colaboración con el grupo que lo hizo famoso y, poniendo la guinda a la sección rítmica,encontramos a Dave Grohl, posiblemente el baterista más dotado de su generación demostrando, una vez más, que hay vida después de Nirvana.
En ocasiones, los ritmos de batería empleados por el menudo Grohl nos llevan a pensar en Bonham, en su exactitud y su contundencia, en su misma naturaleza descontrolada, sucia y pura a partes iguales.
Estamos ante la banda sonora de la carretera más polvorienta y más peligrosa de Estados Unidos, ésa misma carretera en la que conviven como buenos vecinos todos los seres mitológicos de las profundidades del país: Charles Manson, J.F.K., el whiskey y la cerveza, las streappers y las monjas. El ideario antiguo de Hollywood y los fantasmas de un país que más que identidad tiene buenas canciones rock.
Queens of Stone Age podrían ser los abanderados de todo eso y de mucho más.

FORMACIÓN: Josh Homme (guitarra y voz), Mark Lanegan (voz y coros), Nick Oliveri (bajo) , Deve Grohl (batería)

CANCIONES:

1.You think I ain´t a dollar but I feel like a millionare

2.No One Knows

3.First to Giveth

4.A Song For The Dead

5.The Sky Is Fallin`

6.Six Shooter

7.Hangin` Tree

8.Go With The Flow

9.Gonna Leave You

10.Do It Again

11.God Is On The Radio

12.Another Love Song

13.A Song For The Deaf

JEFF BUCKLEY. Grace ( Grabado en 1994)

2008-10-29T14:11:00.000-07:00

Aquellos que se aventuren a escuchar GRACE por vez primera deben ser conscientes de su inmensa fortuna. En cincuenta minutos descubrirán cuan grande es el alma del hombre, cuanto dolor puede albergar, cuanta rabia y cuanta alegría. Descubrirán que es posible que el instrumento mas bello de este mundo puede ser la voz humana. Esos afortunados se verán reflejados, andaran junto a Buckley e incluso compartirán alguna confidencia con él. Se sumergirán inconscientemente en el corazón de un hombre que cuando cantaba no parecía ni de este mundo ni de ningún otro.
En definitiva, mantendrán un cara a cara con la eternidad que dificilmente puede olvidarse.
Jeff Bucley se presentó al mundo con este trabajo que roza el misticismo y en pocos años se convirtió en mito viviente y finalmente en mito eterno, al morir ahogado en un río en 1997.
GRACE es una joya sonora inclasificable cercana al rock, al jazz y al cabaret, un monumento erigido por un genio dotado con una voz imposible.
Los afortunados que quieran sumergirse en estas hermosas aguas sonoras deben saber que una vez sumergidos, la corriente les arrastrará hacia la ciudad subterránea de la condición humana.
Ese extraño lugar que creemos conocer pero que difícilmente podemos explicar.
Jeff Bucley lo explicó de la mejor manera que sabía: cantando.

FORMACION: Jeff Bucley (voz, guitarra, harmónica, organo), Mick Grondhal (bajo), Matt Johnson (batería, percusión), Michael Tighe (guitarra en "So Real"), Gary Lucas ( guitarra mágica en "Mojo Pin" y "Grace").

CANCIONES:
1. Mojo Pin
2. Grace
3. Last Goodbye
4. Lillac Wine
5. So Real
6. Hallelujah
7. Lover, You Should`ve Come Over
8. Corpus Christi Carol
9. Eternal Life
10. Dream Brother

LED ZEPPELIN Led Zeppelin II (Grabado en 1969)

2008-09-10T13:35:00.000-07:00

Poco antes de ser considerados poco menos que enviados del demonio Led Zeppelin dejaron esta obra repleta de furiosas estampidas sónicas y blues de autopista. "Whole Lotta Love" (la canción que abre el disco) es un acto sexual retratado con delirio, un estallido orgásmico que tiene mucho de ceremonia y celebración, con un ritmo salvaje y una aceleración que la convierten en una pequeña bomba de relojería.
Las tormentas eléctricas generadas por Page, Plant, Bonham y Jones son estremecedoras aún hoy en día y no son pocos los grupos que han intentado aproximarse a su sonido mastodóntico y brutal,buen ejemplo de ello son los White Stripes.
El grupo avanza sobre las canciones desatado pero preciso, como el que tiene la convicción de ser el mejor del mundo y quiere demostrarlo, acelerando en cada curva, queriendo salirse de la carretera y estrellarse mortalmente.
Mención especial merece el batería John Bonahm, considerado por muchos el mejor de todos los tiempos en su instrumento. Autor de percusiones imhumanas, ritmos imposibles que eran dignos de un prodigio que solo pensaba en coordinaciones y cadenas de golpes.Nadie ha igualado su contundencia y su exactitud.
Aquellos que quieran zambullirse en las aguas del misterio del blues, el rock y las estampidas de los corceles de la guitarra eléctrica deberían conocer este disco. Las descargas están aseguradas.

FORMACIÓN: Jimmy Page (guitarra), Robert Plant (voz), John Bonham (batería), John Paul Jones (bajo y teclados)

CANCIONES:
1 Whole Lotta Love
2 What Is And What Should Never Be
3 The Lemon Song
4 Thank You
5 Heartbreaker
6 Living Loving Maid ( She´s Just a Woman)
7 Ramble On
8 Moby Dick
9 Bring It On Home

BOB DYLAN The Bootleg Sessions Vol. 4: Bob Dylan Live 1966, The "Royal Albert Hall" Concert(Grabado en 1966)

2008-09-09T13:41:00.000-07:00

Grabado en Mayo de 1966 ( en Manchester, no en Londres como pone en su subtítulo)esta grabación dotada por fortuna de un sonido excelente, se asemeja muchísimo a lo que debería ser un tratado de como debe hacerse un buen disco de rock en directo.

Dividido en dos partes claramente diferenciadas, una acústica y la otra eléctrica, este concierto de Dylan es la antesala de todo aquello que se oirá y se hará en el rock en los siguientes 40 años y probablemente para siempre, porque será muy difícil encontrar a alguien con el valor y las ganas de incordiar que tenía Dylan en aquella época.

Todo parecía perfecto para los amantes del folk aquella noche de mayo de 1966 cuando Bob Dylan comenzó a entonar sus canciones. Sin embargo había algo extraño en todo aquello, Dylan no hacía concesiones a su antiguo repertorio y presentó alguna que otra nueva y extraña canción acompañado con su guitarra y su armónica.

Y llegó el momento en el que se subieron al escenario The Hawks ( posteriormente conocidos como The Band) y comenzaron los acordes de "Tell Me, Momma" un tema furioso y cargado hasta los topes de electricidad.

La trascendencia se dejó ver a lo lejos y se acercó cada vez más al escenario. Las canciones eléctricas se sucedían y el público se mosqueaba muy seriamente. La trascendencia se tornó presencia carnal.Entonces ,ya a punto de concluir el concierto, algún chico claramente cabreado gritó "JUDAS" y la leyenda se escribió sola.

En aquella parte eléctrica del concierto se produjeron altercados y el público increpó a la banda en más de una ocasión. ¿Por qué Dylan estaba ofreciendo un concierto de rock? ¿Donde estaba la canción protesta? Nadie sabía que el joven que había maravillado al mundo del folk con sus canciones y sus letras en contra de la guerra había decidido convertirse en una leyenda del rock.

Escuchando canciones como "Tell Me, Momma" o "Baby, Let Me Follow You Down" uno puede darse cuenta de que la furia no tiene por qué ser atronadora, se ve cómo es posible dar pasos de gigante con la juventud y la arrogancia como única armas y, sobretodo, podemos ver la leyenda en estado puro de un hombre que hace 40 años lo inventó todo.

FORMACIÓN: Bob Dylan (guitarras, armónica, piano y voz), Robbie Robertson (guitarras), Rick Danko (bajo y coros), Richard Manuel (piano y teclados), Garth Hudson (órgano y teclados),

Mickey Jones (batería y percusión).

CANCIONES :

DISCO 1 (ACUSTICO)

1 She Belongs To Me

2 Fourth Time Around

3 Visions of Johanna

4 It´s All Over Now, Baby Blue

5 Desolation Row

6 Just Like A Woman

7 Mr. Tambourine Man

DISCO 2 (ELECTRICO)

1 Tell Me, Momma

2 I Don´t Believe You (She Acts Like Wr Never Have Met)

3 Baby, Let Me Follow You Down

4 Just Like Tom Thumb´s Blues

5 Leopard-Skin Pill-Box Hat

6 One Too Many Mornings

7 Ballad of A Thin Man

8 Like A Rolling Stone

MILES DAVIS Kind Of Blue. (Grabado en 1959)

2008-09-05T12:03:00.000-07:00

Frondoso y tristísimo encuentro con las notas que pasaban por la cabeza de seis músicos (siete si se cuenta a Winton Kelly que solo toca en un tema), se podría decir que esto más que un disco de jazz es un auténtico milagro sonoro. Davis acostumbrado a avanzar fieramente nos plantea un nuevo reto, una nueva enseñanza de alguien que no cree nada, que no quiere trascender, que se aleja de todo y de todos para, finalmente, hacer creer, trascender y aproximarse al ser humano mirándolo cara a cara, pero no juzgándolo.
Kind of Blue es ,como su título, un montón de cosas: una clase de azul, un tipo de tristeza y una forma completamente diferente de tocar blues, el tan manido término que en este disco como en ningún otro se hace carnal hasta llegar a su extremo más emocionante y que en ocasiones roza la desesperanza mas absoluta.
Desde el comienzo, con la maravillosa introducción de Bill Evans al piano, la sensación es de transporte y distancia, el ambiente se torna cadencia sonora, rítmica y sensual. Casi se puede ver a la banda, lejos del mundanal ruido, haciendo su ruido particular, ése ruido mágico que nos enmarca en una tristeza sin igual y ,al instante, nos transporta allí donde moran todas las cosas bellas que existen en el mundo.

FORMACIÓN: Miles Davis (trompeta), Julian "Cannonball" Adderley (saxo alto), John Coltrane (saxo tenor), Winton Kelly (piano en "Freddie Freeloader"), Bill Evans (piano en todas las demás), Paul Chambers (contrabajo), Jimmy Cobb ( batería).

TEMAS Y DURACIONES:

1 So What (9:22)
2 Freddie Freeloader (9:46)
3 Blue in Green (5:37)
4 All Blues ( 11:33)
5 Flamenco Sketches (9:26)