NICK DRAKE. Five Leaves Left. (Grabado en 1968)

A veces escuchando este disco se podrá tener la sensación de estar ante una colección de canciones primitivas, no demasiado complicadas y que se acercan muchísimo a la idea de lo que podríamos llamar "canciones de autor".Error.
Cierto que Nick Drake era el autor de sus discos y, cierto, el envoltorio de esta producción parece espartano e incluso hay quien dirá que aburrido.
Pero he aquí que esas composiciones tan propias, son a la vez tan universales como una reunión de idiomas, tan majestuosas que podrían erigirse como el imperio del cancionero humano. Esta música es lo que debería escuchar un extraterrestre para conocernos.
Si prestamos nuestros oidos a la voz de Drake y dejamos que sea nuestra única guía en la oscuridad, a buen seguro acabaremos viendo, que no escuchando, un paisaje de colores repleto hasta los topes de la gracia que sin duda debe acompañar a los genios.
En cuanto a la simpleza, no deberíamos confundirla con la humildad. Estas gigantescas canciones se presentan casi desnudas, a menudo acompañadas con una guitarra triste y algo de percusión , pero se convierten en todo lo que debe ser una gran canción. Una referencia, un estado de ánimo, un recuerdo o un pensamiento. Una historia. Un camino.
El paseo por este maravilloso disco es corto, pero debe recorrerse con la certeza de que al final nos encontraremos con nosotros mismos, sonreiremos y nos daremos la mano amistosamente.
La grandeza es lo que tiene.

MUSICOS: Nick Drake (voz y guitarra acústica), Paul Harris (piano), Richard Thompson (guitarra eléctrica), Danny Thompson (bajo), Clare Lowther (chelo), Rocki Dzidzornu (congas).


CANCIONES Y DURACIONES:

1. Time Has Told Me (3:56)
2. River Man (4:8)
3. Three Hours (6:01)
4. Day Is Dones (2:22)
5. Way To Blue (3:05)
6. ´Cello Song (3:58)
7. The Thoughts Of Mary Jane (3:12)
8. Man In Shed (3:49)
9. Fruit Tree (4:42)
10. Saturday Sun (4:00)

VAN MORRISON. Astral Weeks. (Grabado en 1968)

Cuando tu primer disco en solitario es el mejor debut de todos los tiempos, lo tienes muy crudo. Morrison acababa de dejar su grupo y con solo 23 años firmó un contrato para iniciar una carrera en solitario.
Y de esa primera grabación salió esto. Este auténtico pilar de la música que muchos comparan con las mejores y más respetadas obras, esta colección de canciones sublimes que se pasean por la tierra de nadie dominando cada pulgada de terreno, cada centímetro. Este gigante, en definitiva, que devoró a su propio autor de tal forma que,aunque hoy en día es considerado un músico genial gracias a su extensa y magnífica obra, jamás logró igualar semejante hito.
Este monumental documento sonoro es el responsable directo de todos los debuts infumables que se pasean entre el misticismo falso y la grandilocuencia. Muchos han sido los incautos que tomaron nota de todo lo hecho en esta grabación pero son muy pocos los que realmente parecieron entenderla. Y es que entender la mezcla de géneros y temáticas que confluyen en Astral Weeks sería como tener un mapa a escala real del mundo y los sentimientos de los hombres, sería esa una guía práctica de todo lo que ha sido y será, de todas las épocas y colores y esperanzas y sinsabores que han existido. Una amalgama única, imposible y rara.
Cuando tu primer disco en solitario es el mejor debut de todos los tiempos, lo tienes crudo. No hay explicación a lo bien que le ha ido a Van Morrison. Debe ser horrible saber que nunca vas a superar la calidad de tu primer disco. Aunque es posible que produzca alivio saber que nadie lo hará.



FORMACIÓN: Van Morrison (voz y guitarra), Jay Berliner (guitarra), Richard Davis (bajo), Connie Kay (batería), John Payne ( flauta, saxo soprano), Warren Smith Jr. ( percusión).

TEMAS Y DURACIONES:

1. Astral Weeks (7:00)
2. Beside You (5:10)
3. Sweet Thing (4:10)
4. Cyprus Avenue (6:50)
5. The Way That Young Lovers Do (3:10)
6. Madame George (9:25)
7. Ballerina (7:00)
8. Slim Slow Slider (3:20)

QUEENS OF STONE AGE. Songs For The Deaf. (Grabado en 2002)

Si nos ponemos a repasar los estantes de las tiendas de música, habrá muy pocas portadas que llamen tanto la atención como la de este disco.
Simbología practicamente demoniaca, encubriendo unas ganas de incordiar muy importantes.
Lo que hay en el interior también es inquietante pero resulta muy divertido. Riffs de aceleración caústica muy próximos a la época de las bandas del desierto de Joshua Tree, arrebatos de puro ritmo mastodóntico con ligeros toques árabes, canciones para las que la palabra rudo se queda muy corto.Se trata ni más ni menos que del alegato sonoro a la sexualidad más explícito que se haya grabado nunca (con permiso de los Zeppelin, claro).
Realizado como un álbum de falso concepto ( se utilizaron grabaciones simulando una radio ficticia) todo lo que contiene es de una asombrosa contundencia sin dejar de lado la festividad.
La formación de este grupo es tan única que sólo pudo ser reunida una vez. Mark Lanegan da muestras de su voz de ultratumba en algunas de las mejores conposiciones, el gran guitarrista Josh Homme es el encargado de poner voz a todo lo demás. Al bajo encontramos a un desmadrado Nick Oliveri en su última y más acertada colaboración con el grupo que lo hizo famoso y, poniendo la guinda a la sección rítmica,encontramos a Dave Grohl, posiblemente el baterista más dotado de su generación demostrando, una vez más, que hay vida después de Nirvana.
En ocasiones, los ritmos de batería empleados por el menudo Grohl nos llevan a pensar en Bonham, en su exactitud y su contundencia, en su misma naturaleza descontrolada, sucia y pura a partes iguales.
Estamos ante la banda sonora de la carretera más polvorienta y más peligrosa de Estados Unidos, ésa misma carretera en la que conviven como buenos vecinos todos los seres mitológicos de las profundidades del país: Charles Manson, J.F.K., el whiskey y la cerveza, las streappers y las monjas. El ideario antiguo de Hollywood y los fantasmas de un país que más que identidad tiene buenas canciones rock.
Queens of Stone Age podrían ser los abanderados de todo eso y de mucho más.

FORMACIÓN: Josh Homme (guitarra y voz), Mark Lanegan (voz y coros), Nick Oliveri (bajo) , Deve Grohl (batería)

CANCIONES:

1.You think I ain´t a dollar but I feel like a millionare

2.No One Knows

3.First to Giveth

4.A Song For The Dead

5.The Sky Is Fallin`

6.Six Shooter

7.Hangin` Tree

8.Go With The Flow

9.Gonna Leave You

10.Do It Again

11.God Is On The Radio

12.Another Love Song

13.A Song For The Deaf

JEFF BUCKLEY. Grace ( Grabado en 1994)

Aquellos que se aventuren a escuchar GRACE por vez primera deben ser conscientes de su inmensa fortuna. En cincuenta minutos descubrirán cuan grande es el alma del hombre, cuanto dolor puede albergar, cuanta rabia y cuanta alegría. Descubrirán que es posible que el instrumento mas bello de este mundo puede ser la voz humana. Esos afortunados se verán reflejados, andaran junto a Buckley e incluso compartirán alguna confidencia con él. Se sumergirán inconscientemente en el corazón de un hombre que cuando cantaba no parecía ni de este mundo ni de ningún otro.
En definitiva, mantendrán un cara a cara con la eternidad que dificilmente puede olvidarse.
Jeff Bucley se presentó al mundo con este trabajo que roza el misticismo y en pocos años se convirtió en mito viviente y finalmente en mito eterno, al morir ahogado en un río en 1997.
GRACE es una joya sonora inclasificable cercana al rock, al jazz y al cabaret, un monumento erigido por un genio dotado con una voz imposible.
Los afortunados que quieran sumergirse en estas hermosas aguas sonoras deben saber que una vez sumergidos, la corriente les arrastrará hacia la ciudad subterránea de la condición humana.
Ese extraño lugar que creemos conocer pero que difícilmente podemos explicar.
Jeff Bucley lo explicó de la mejor manera que sabía: cantando.


FORMACION: Jeff Bucley (voz, guitarra, harmónica, organo), Mick Grondhal (bajo), Matt Johnson (batería, percusión), Michael Tighe (guitarra en "So Real"), Gary Lucas ( guitarra mágica en "Mojo Pin" y "Grace").



CANCIONES:
1. Mojo Pin
2. Grace
3. Last Goodbye
4. Lillac Wine
5. So Real
6. Hallelujah
7. Lover, You Should`ve Come Over
8. Corpus Christi Carol
9. Eternal Life
10. Dream Brother

LED ZEPPELIN Led Zeppelin II (Grabado en 1969)

Poco antes de ser considerados poco menos que enviados del demonio Led Zeppelin dejaron esta obra repleta de furiosas estampidas sónicas y blues de autopista. "Whole Lotta Love" (la canción que abre el disco) es un acto sexual retratado con delirio, un estallido orgásmico que tiene mucho de ceremonia y celebración, con un ritmo salvaje y una aceleración que la convierten en una pequeña bomba de relojería.
Las tormentas eléctricas generadas por Page, Plant, Bonham y Jones son estremecedoras aún hoy en día y no son pocos los grupos que han intentado aproximarse a su sonido mastodóntico y brutal,buen ejemplo de ello son los White Stripes.
El grupo avanza sobre las canciones desatado pero preciso, como el que tiene la convicción de ser el mejor del mundo y quiere demostrarlo, acelerando en cada curva, queriendo salirse de la carretera y estrellarse mortalmente.
Mención especial merece el batería John Bonahm, considerado por muchos el mejor de todos los tiempos en su instrumento. Autor de percusiones imhumanas, ritmos imposibles que eran dignos de un prodigio que solo pensaba en coordinaciones y cadenas de golpes.Nadie ha igualado su contundencia y su exactitud.
Aquellos que quieran zambullirse en las aguas del misterio del blues, el rock y las estampidas de los corceles de la guitarra eléctrica deberían conocer este disco. Las descargas están aseguradas.

FORMACIÓN: Jimmy Page (guitarra), Robert Plant (voz), John Bonham (batería), John Paul Jones (bajo y teclados)


CANCIONES:
1 Whole Lotta Love
2 What Is And What Should Never Be
3 The Lemon Song
4 Thank You
5 Heartbreaker
6 Living Loving Maid ( She´s Just a Woman)
7 Ramble On
8 Moby Dick
9 Bring It On Home

BOB DYLAN The Bootleg Sessions Vol. 4: Bob Dylan Live 1966, The "Royal Albert Hall" Concert(Grabado en 1966)

Grabado en Mayo de 1966 ( en Manchester, no en Londres como pone en su subtítulo)esta grabación dotada por fortuna de un sonido excelente, se asemeja muchísimo a lo que debería ser un tratado de como debe hacerse un buen disco de rock en directo.

Dividido en dos partes claramente diferenciadas, una acústica y la otra eléctrica, este concierto de Dylan es la antesala de todo aquello que se oirá y se hará en el rock en los siguientes 40 años y probablemente para siempre, porque será muy difícil encontrar a alguien con el valor y las ganas de incordiar que tenía Dylan en aquella época.

Todo parecía perfecto para los amantes del folk aquella noche de mayo de 1966 cuando Bob Dylan comenzó a entonar sus canciones. Sin embargo había algo extraño en todo aquello, Dylan no hacía concesiones a su antiguo repertorio y presentó alguna que otra nueva y extraña canción acompañado con su guitarra y su armónica.

Y llegó el momento en el que se subieron al escenario The Hawks ( posteriormente conocidos como The Band) y comenzaron los acordes de "Tell Me, Momma" un tema furioso y cargado hasta los topes de electricidad.

La trascendencia se dejó ver a lo lejos y se acercó cada vez más al escenario. Las canciones eléctricas se sucedían y el público se mosqueaba muy seriamente. La trascendencia se tornó presencia carnal.Entonces ,ya a punto de concluir el concierto, algún chico claramente cabreado gritó "JUDAS" y la leyenda se escribió sola.

En aquella parte eléctrica del concierto se produjeron altercados y el público increpó a la banda en más de una ocasión. ¿Por qué Dylan estaba ofreciendo un concierto de rock? ¿Donde estaba la canción protesta? Nadie sabía que el joven que había maravillado al mundo del folk con sus canciones y sus letras en contra de la guerra había decidido convertirse en una leyenda del rock.

Escuchando canciones como "Tell Me, Momma" o "Baby, Let Me Follow You Down" uno puede darse cuenta de que la furia no tiene por qué ser atronadora, se ve cómo es posible dar pasos de gigante con la juventud y la arrogancia como única armas y, sobretodo, podemos ver la leyenda en estado puro de un hombre que hace 40 años lo inventó todo.

FORMACIÓN: Bob Dylan (guitarras, armónica, piano y voz), Robbie Robertson (guitarras), Rick Danko (bajo y coros), Richard Manuel (piano y teclados), Garth Hudson (órgano y teclados),

Mickey Jones (batería y percusión).

CANCIONES :

DISCO 1 (ACUSTICO)

1 She Belongs To Me

2 Fourth Time Around

3 Visions of Johanna

4 It´s All Over Now, Baby Blue

5 Desolation Row

6 Just Like A Woman

7 Mr. Tambourine Man

DISCO 2 (ELECTRICO)

1 Tell Me, Momma

2 I Don´t Believe You (She Acts Like Wr Never Have Met)

3 Baby, Let Me Follow You Down

4 Just Like Tom Thumb´s Blues

5 Leopard-Skin Pill-Box Hat

6 One Too Many Mornings

7 Ballad of A Thin Man

8 Like A Rolling Stone

MILES DAVIS Kind Of Blue. (Grabado en 1959)

Frondoso y tristísimo encuentro con las notas que pasaban por la cabeza de seis músicos (siete si se cuenta a Winton Kelly que solo toca en un tema), se podría decir que esto más que un disco de jazz es un auténtico milagro sonoro. Davis acostumbrado a avanzar fieramente nos plantea un nuevo reto, una nueva enseñanza de alguien que no cree nada, que no quiere trascender, que se aleja de todo y de todos para, finalmente, hacer creer, trascender y aproximarse al ser humano mirándolo cara a cara, pero no juzgándolo.
Kind of Blue es ,como su título, un montón de cosas: una clase de azul, un tipo de tristeza y una forma completamente diferente de tocar blues, el tan manido término que en este disco como en ningún otro se hace carnal hasta llegar a su extremo más emocionante y que en ocasiones roza la desesperanza mas absoluta.
Desde el comienzo, con la maravillosa introducción de Bill Evans al piano, la sensación es de transporte y distancia, el ambiente se torna cadencia sonora, rítmica y sensual. Casi se puede ver a la banda, lejos del mundanal ruido, haciendo su ruido particular, ése ruido mágico que nos enmarca en una tristeza sin igual y ,al instante, nos transporta allí donde moran todas las cosas bellas que existen en el mundo.

FORMACIÓN: Miles Davis (trompeta), Julian "Cannonball" Adderley (saxo alto), John Coltrane (saxo tenor), Winton Kelly (piano en "Freddie Freeloader"), Bill Evans (piano en todas las demás), Paul Chambers (contrabajo), Jimmy Cobb ( batería).

TEMAS Y DURACIONES:

1 So What (9:22)
2 Freddie Freeloader (9:46)
3 Blue in Green (5:37)
4 All Blues ( 11:33)
5 Flamenco Sketches (9:26)